THE STORYTELLING BLOG

SOYEZ SIMPAS, REMBOBINEZ – complètement magnétisé

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 16:45:17 +0000

On le savait déjà Michel Gondry est un grand cinéaste du bidouillage et du bordel organisé. C’est un gamin de 12 ans surdoué qui oscille entre la tendresse et la désillusion. Autant dire immédiatement que je lui voue un culte, non pas que je veuille lui resembler comme une midinette qui veut à tout prix la copie conforme de son idole mais plutôt parce que l’apport de Gondry au cinéma est quelque qui me va droit au coeur par son audace et son originalité. Souvent critiqué car il vient du monde du clip vidéo, il parvient à donner quelque chose de rafraichissant dont le cinéma a énormément besoin. En fait Gondry c’est mon prozac, en moins dangeureux.

Be kind rewind est un film éminemment généreux et décomplexé. Dans un clip bordelique, les délires les plus fantasques sont permis. Jack Black et Mos Def forment un duo de cinéma redoutable. Jack Black, dont on sent que son personnage l’a énormément inspiré, nous propose un numéro guignolesque attachant et hillarant. La maladresse du jeu de Mos Def ne porte pas préjudice au film, au contraire ça en devient un atout magistrale car Be kind rewind est une lettre d’amour au cinéma amateur, au cinéma qui prend des risques et qui s’éclate.

Ce nouveau film est aussi un constat du monde actuel, du temps qui passe et qui en écrase le passé. La désillusion, thème cher à Michel Gondry, est irrémediablement attaché à la nostalgie de l’enfance. Le réalisateur continue de tisser dans sa toile sombre le fil blanc qui le rattache à la force imaginatrice de son enfance. C’est le refus immature et bouleversant d’adultes qui ne veulent devenir des personnes grisées par les années qui passent.
C’est aussi un message venant du coeur aux jeunes réalisateurs en herbe effrayés par la machine du cinéma. Cette volonté de ne pas se conformer et de mettre en avant nos qualités comme nos défauts et de créer. Naïf et en même temps intelligent, ce film parle du cinéma avec humour. J’ai rarement été plié en deux au cinéma, merci Gondry!

Soyez sympas, rembobinez.

SHORTBUS – la jouissance de trop ?

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 15:03:31 +0000

Larry Clark fait des émules, Ken Park, son film transgressif où les scènes de sexe n’étaient pas simulées a permis l’exploitation de films comme Shortbus. Réalisé par John Cameron Mitchell à qui l’on doit un film comme Hedwig and the Angry Inch, des clips-vidéos de Bright Eyes et des Scissor Sisters, ainsi que la production du magnifique Tarnation, je m’attendais à un film résolument underground et fort dans son propos. Déception.

Ce film commence très fort et très bien. Tout en respectant la pudeur des personnages, leurs névroses et leurs folies, Shortbus se présente comme un beau film sur le sexe. Le sexe non pas vu comme une dépravation ni comme une idéalisation, il est simplement l’image des angoisses intimes. La marginalité règne et elle est belle. Elle devient le refuge des désespérés mais aussi de ceux qui savent comment calmer leurs angoisses. C’est à la fois un lieu de thérapie et d’exaltation de l’oubli de soi. Ce qui m’a beaucoup plu c’est l’humour et l’attachement au personnage de la psy qui est aussi paumée que ses patients. Cette jeune femme résolue à ne jamais connaître l’orgasme se sent néanmoins contraintes à aller à sa rencontre. Sa rencontre avec une dominatrice sado-masochiste est brillamment menée. Les dialogues font la force de ce film. Le montage syncopé façon Godard, également.

Ce film navigue entre vidéo-clip et cinéma expérimental. C’est là qu’il commence à se perdre. Certaines images trop léchées (désolé pour ce terme) rendent le film moins radical et moins percutant. Une certaine tendance à la beauté absolue exaspère le spectateur. Les personnages s’enfoncent dans leurs clichés tout en nous faisant croire qu’ils sont de plus en plus en accord avec eux-même. Au final, on se retrouve avec un film très classique. Tous les personnages névrosés parviennent à résoudre tous leurs problèmes sexuels et émotionnels. Ce besoin d’en faire un film aussi fini, referme le propos sur lui-même et n’amène plus aucune réflexion. C’est très Hollywoodien comme démarche. Un happy end dont on aurait pu se passer.

BAMAK0 – la controverse du Mali

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 15:01:56 +0000

Le réalisateur Abderrahmane Sissako est né au Mali, y a passé son enfance et a fait ses études de cinéma à Moscou. Avec Bamako il signe un film sur les conséquences de l’indifférence de l’Occident en Afrique et du libéralisme économique insensé qui détruit des peuples.Je n’y connais rien en cinéma Africain et c’est une injustice de ma part de ne pas m’y intéresser davantage. Il y a pourtant dans ce cinéma quelque chose qui me plait c’est la revendication. Sissako utilise le cinéma comme média alternatif pour sensibiliser les gens à ce qui se passe en Afrique. Il rééquilibre les choses à sa manière, en donnant la parole à ceux qui ne l’ont pas. Il y a une très belle phrase prononcée en début de film. Quand le juge dit à un témoin qui a voulu prendre la parole: “Rendez la parole maintenant”, le témoin répond: “Je lui la rend SA parole”. Tout est là, une claque.

Cette fiction montre ouvertement son rapprochement au documentaire. Les témoins, les juges et les avocats interprètent leur propre rôle. Les témoignages sont spontanés, pas d’écriture. Sissako met en scène un petit espace où les Maliens peuvent s’exprimer. La force est de montrer que malgré cette espace de liberté les choses ne vont pas beaucoup changer. En dehors de ce tribunal installé dans une cour, le silence règne car tout le monde écoute jusqu’à ce que tout le monde se lasse. La parole tourne en rond et le désespoir gagne les Maliens.

En parallèle au procès, une intrigue presque de l’ordre du polar se met en place. Le flingue d’un policier a disparut. Cette petite intrigue qui ne prend pas beaucoup de place dans le film aura pourtant une conséquence terrifiante.

Un magnifique film à voir et à revoir tant son propos lucide et honnête a de l’importance dans notre société d’aujourd’hui où on croit savoir ce qui se passe dans le monde en regardant le 20h.

REDACTED – la guerre selon Youtube

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 14:58:45 +0000

Je suis allé
voir ce film à reculons. Les films de guerre je n’aime pas ça. C’est
souvent un moyen d’exalter un patriotisme malsain et de faire pleurer
le soldat Ryan. Brian De Palma lui non plus je ne l’aime pas trop,
excepté avec le brillantissime Phantam of the Paradise qu’il réalisa en 1973. Et puis vint Redacted.
Dès le départ on n’est pas sûr de bien comprendre ce que l’on voit dans le générique. C’est quoi ces mots qui s’effacent? Brian De Palma nous prévient dès le départ, il faut se méfier des images. Car ce film s’il est grandiose c’est par les questions qu’il soulève. Il remet en cause notre rapports aux images. Inspiré des vidéos vues sur internet et notamment sur Youtube, De Palma nous indique que le film de guerre va devoir se remettre en cause. Car dans Redacted il y a une double critique, une critique anti-guerre et une critique contre les médias de masse. Une chose à savoir, c’est qu’aux Etats-Unis le film a été lynché par les médias et de De Palma avec. C’est dire si ce film touche un point sensible.

Est-ce du cinéma? La question se pose quand on sait que De Palma à refilmer ce qu’il a déjà vu sur internet. Pour trouver la réponse il n’y a qu’à voir le travail du montage. De ces images fictionalisées, à l’apparence contradictoires car provenant de points de vus extrêmement différents, le film les rassemble pour nous montrer une cohérence magistrale où les images ne s’entrechoquent pas mais se répondent et se questionnent sans cesse. A cela s’ajoute une surenchère de cris, de musiques grandiloquantes et d’atrocités. Mais encore une fois, cette mise en scène fait écho avec la surabondance d’images qui envahit nos yeux et nos cerveaux. Redacted repense tout, il efface le patriotisme exacerbé et amène la folie des images.

Le film s’achève sur une compilation d’images de dommages collatéraux de la guerre en Irak. C’est aussi didactique que vide de sens, et De Palma en a conscience. C’est ce qui subjugue et sidère à la fois.

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 14:55:49 +0000

Première chose à dire, ce film est bien plus grindhouse que celui de Tarantino, Death Proof. Surenchère à tous les niveaux que ce soit scénaristique, d’hémoglobine, de filles sexy, de mecs baraqués, de musique, de monstres, de bécanes, de viandes, d’explosion, de flingues etc etc… Et tout cela pour un résultat plutôt bon! Car le but d’un film grindhouse c’est d’en mettre plein la vue et on en a pour notre argent. Les scènes d’actions sont époustouflantes et très sexy. Rose McGowan, nous montre son talent le plus visible, son physique. Elle tient bon la minette, aussitôt amputée d’une jambe, là voilà qui part mitrailler tout ce qui bouge. Elle parvient même à gagner en intérêt car c’est le seul personnage du film qui possède une “psychologie”. Les autres ce sont des stéréotypes, dont le beau-gosse Freddy Rodriguez.

Le bémol à ce film c’est justement cette surenchère, au bout d’un certain temps on se lasse de tout ce sang qui gicle dans tous les sens, ça devient une facilité pour palier au manque cruel de scénario mais c’est vrai que dans ce genre de film ce n’est pas le scénario qui compte. Ce qu’on veut voir c’est un nanar bien ficelé et bien puissant. En ce sens c’est réussit mais je crois que ce qui m’a finalement le plus déçut, c’est l’humour. C’est tellement prévisible et lourdingue qu’on y adhère pas franchement. Ce film c’est juste de l’esthétique. Mais on apprend une chose essentielle, une mitraillette c’est beaucoup mieux qu’une jambe de bois!

DEATH PROOF – des femmes et des bolides

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 14:52:31 +0000

Un plaisir d’enfer! Tarantino a voulu prendre son
pied à faire ce film et ça se voit, son plaisir en éclabousse le
spectateur. Pour moi Death proof est un conte moderne et sexy
résolument féministe. C’est une autre façon de parler des femmes au
cinéma, c’est direct, c’est plein d’adrénaline, c’est excitant.
Présenté en deux parties (structure originale pour un film), la
première raconte un groupe de filles parties en voyage qui se feront
zigouiller par un taré complètement macho, la deuxième raconte un autre
groupe de filles qui croisent ce malade et qui décident de lui faire la
peau. On assiste à deux montées en puissance, deux histoires
étroitement liées et jouissives. Tarantino fait de ce film un exercice
de style destiné à tous, c’est bourré de références sans se prendre la
tête.

Bon inutile de préciser que je suis un fan de
Tarantino, c’est viscéral j’aime sa façon de voir le cinéma et chaque
film qu’il fait est une preuve de sa passion. Et cette passion il la
transmet à tout le monde et il en inspire plus d’un dont son accolyte
Robert Rodriguez qui a réalisé le deuxième film Grindhouse, Planet Terror. Et contrairement à tous ceux qui
s’inspirent de lui, Tarantino a le talent d’allier le sens du dialogue
ET le sens de l’image. Ainsi son film recelle d’une multitudes de
scènes cultes et savoureuves. Comme la scène du texto mièvre ou des deux filcs qui discutent et hypothèsent sur le massacre en tournant en rond dans les couloirs de l’hôpital.

Et puis il y a la course-poursuite finale, d’une trentaine de minutes et qui est une véritable prouesse cinématographique. Certains s’ennuieront face aux nombreux dialogues qui construisent le film mais sans ces dialogues pimentés et superficiels, les scènes d’actions n’auraient pas la force qu’elles dégagent gagnées par ce contraste. Après les décevants Kill Bill Tarantino renoue avec l’audace dont il a fait preuve avec son premier film Reservoir Dogs.

J’EMBRASSE PAS – la maladie des hommes

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 14:47:57 +0000

“Le bonheur n’est pas un truc qui s’affiche” dit Philippe Noiret dans ce film. Le sourire d’ange de Manuel Blanc cache la noirceur refoulée d’un jeune homme ambitieux et névrosé. Non ça n’a rien à voir avec narcissicisme compensatoire de notre cher Président Nicolas Sarkozy. Dans ce film démysthifiant les lumières de Paris, Téchiné nous raconte une histoire trouble et inquiétante.

Plongés dans l’univers de la prostitution de la fin des années 80, le SIDA tue en filigrane et les anges de la nuit ne dorment jamais. Manuel Blanc, jeune provincial rêvant de faire du cinéma, se retrouve plus ou moins contraint à se prostituer. Je dis “plus ou moins” car on sent constamment une désir refoulé dans ce personnage de mettre son corps et son coeur en péril comme un papillon tournant en rond autour d’une ampoule brûlante. Cela dans quel dessein? La liberté. André Téchiné confronte ses personnages à leur propre liberté. Quel est le prix à payer? Que sommes-nous prêts à miser pour posséder la liberté?

Les tensions érotiques de ce film mettent en relief les zones d’ombres et de lumières des personnages. Le personnage de Manuel Blanc tentent de trouver le bonheur dans des relations interdites. D’abord l’amant d’une quarantenaire névrosée par sa solitude, le fils dangereux d’un Philippe Noiret affecteux et le frère charnel d’une Emmanuelle Béart désarmante par sa violence délicieuse.

C’est le trouble des genres et des indentités, une valse impossible entre des personnages aux coeurs secs mais jamais résignés et une critique d’un certain modèle masculin. Téchiné installe ses personnages dans un danger certain mettant en scène des connexions pleines de lumières et de tendresse.

J’embrasse pas.

THERE WILL BE BLOOD – du pétrôle dans les mains

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 14:44:15 +0000

Sombre est ce film qui à sa manière, parle de l’Histoire américaine. Le pétrole, cet or noir qui fait briller les plus grands hommes d’affaire et qui fait tourner le monde aujourd’hui. Le pétrole, un produit de la terre que l’homme réclame au nom de l’argent et par le sang. Paul Thomas Anderson n’est un cinéaste que j’aime particulièrement. Il lui manquait souvent une modestie. Mais ce film est une exception, audacieux et actuel.

Les vingt premières minutes, très fortes visuellement, forment une des plus belles introductions du cinéma. Crues et latentes, les images dégagent un sentiment puissant de souffrance et de solitude. Les deux étant liés dans une forme assez expressioniste. A cette introduction répond la séquence finale enfermant le film dans la folie, comme si elle était la somme de la souffrance et de la solitude du début.

“Je suis un faux prophète, Dieu est une superstition”.

Une critique du pouvoir et de l’omniprésence de l’argent dans nos vies, les paradoxes submergent le film. Entré beauté et cruauté, les personnages ne savent à quel Dieu se vouer. Désorientés et contrôlés, les frontières qui les séparent de la folie s’effacent peu à peu mais avec rigueur. Le capitalisme dans sa froideur la plus totale gangrène le sort des personnages et notamment les dux qui s’affrontent tout au long du film: le pétrolier Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) et le prêtre Eli Sunday (Paul Dano). Alors que Danial Day-Lewis m’a laissé de marbre, la prestation de Paul Dano m’a, au contraire, terriblement touché. Une gueule comme on n’en invente pas, il dégage pourtant un charisme inquiétant et séduisant.

LE PREMIER VENU – les yeux de Camille…

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 14:09:01 +0000

Ce nouveau film de Jacques Doillon, qui a vu le jour non sans mal, interroge les préjugés de notre société. Au diable le manichéisme et oublions la fascination, il existe aussi un monde où rencontrer l’autre est une preuve d’amour irraisonnable.
Camille est un être humain conscient de ses mystères et de ses faiblesses. Apparemment blessée par le ténébreux salopard Costa, elle décide de le suivre car elle aurait apperçu en lui quelque chose de beau. Dès l’ouverture du film, la confusion s’installe. Costa a t-il violé Camille? Pourquoi celle-ci le suit partout où il va? Est-ce par vengeance ou par amour?

La relation ambigue que nouent Camille et Costa pourraît être une des plus belles chansons de Tom Waits. L’enjeu ce n’est pas le danger des sentiments, c’est la constance du regard qui ne se décroche pas de Camille à Costa. Si ce dernier nous apparaît comme beaucoup plus qu’un salopard c’est bien grâce au regard joueur et persistant de Camille. Une rencontre a lieu sous nos yeux et cette rencontre aura le beau dessein de réunir un père et sa fille.
Car Camille s’immice dans les plaies ouvertes de Costa. Pour elle puis pour lui, elle va tout faire que son potentiel violeur reparle à sa fille.

L’autre belle découverte de ce film ce sont les comédiens. Gérald Thomassin qui interprète Costa est tout simplement remarquable. La justesse de l’interprétation se situe dans le refus de la perfection. La scène de confrontation entre Costa et son père dans la cuisine, toujours suivie sous les yeux de Camille, est un plaisir pur pour le spectateur. Le premier venu est un film audacieux…

ZABRISKIE POINT – plutôt que mourir d’ennui…

thestorytelling — Wed, 06 Aug 2008 14:06:06 +0000

En 1969 la contestation grandi à Los Angeles dans les milieux universitaires. Marc, un beau jeune homme solitaire, dit être prêt à mourir pour la révolution mais pas à mourir d’ennui. Autant les hippies de l’université l’agacent autant il se rangera avec eux en entrant dans une fusillade qui les affrontent aux policiers. Pris au piège dans l’université, un policier est tué, il préfère s’enfuire plutôt que d’être accusé à tort de l’assassinat. Dans un mouvement libertaire, il vole un avion et survole le désert alentour jusqu’à remarquer du haut de son aéroplane, une jeune fille au volant d’une décapotable rouge.

Antonioni signe un film contestataire en tout point. Mais surtout, le film surprend par sa fulgurante naïveté qui nous embrase et met à mal le système mis en place. La photographie est d’une beauté sidérante et parvient à nous montrer combien la contestation est un trip enfantin et jubilatoire. Parfois un peu long mais nécessaire, il faut prendre le temps d’observer la nature et le corps de l’autre. La séquence d’orgie sexuelle, très belle, mais un peu lourde sur la fin. Cette naïveté irrite si on ne remet pas le film dans son contexte des années 70.

Mais ce qui marque le spectateur c’est bien la séquence finale. Complètement arty et décalé, les éléments matériels de notre monde explosent les uns après les autres pendant plusieurs minutes. C’est une véritable expérience de cinéma jubilatoire, une critique de la société d’asceptisation et de consommation. Beau et étonnant.